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El disfrute de una obra de arte pasa por identificar y valorar sus cualidades estéticas y formales, pero también, y en relación con éstas, por entender su contenido iconográfico, su función, su contexto histórico y sus características técnicas.
En 1963, tras poner punto final a una notable carrera como marchante de arte moderno en Europa y EE. UU., Justin K. Thannhauser (1892–1976) anunció su intención de legar un grupo de obras fundamentales de su colección particular de arte —que abarca aproximadamente cien años— a la Solomon R. Guggenheim Foundation de Nueva York. Su viuda, Hilde Thannhauser (1919–1991), donó posteriormente algunas piezas más a la institución en 1984 y en 1991.
En la actualidad, la Colección Thannhauser del Guggenheim ofrece una importante panorámica del arte de vanguardia de la Francia de finales del siglo XIX y principios del siglo XX, comenzando con Paul Cézanne, Edgar Degas, Édouard Manet, Vincent van Gogh y otras figuras que quisieron liberar el arte de los géneros académicos y abordaron técnicas y temas modernos. Los rompedores experimentos con materiales y métodos que emprendieron a finales del siglo XIX prepararon el escenario para el desarrollo de nuevos estilos radicales en el siglo siguiente, cuando artistas como Georges Braque y Pablo Picasso se situaron en primera línea. Esta presentación supone la primera ocasión en la que una parte significativa de la célebre Colección Thannhauser se muestra fuera de Nueva York desde que ingresara en el Solomon R. Guggenheim Museum hace más de cincuenta años, y pone de relieve el legado de la familia Thannhauser y su papel en el fomento del arte de su época. Acerca de la Colección, Justin afirmó: “Espero que sea apreciada. Representa toda mi vida”.
Todas sus obras giran en torno al tema de la intimidad. Trabajando de una manera que sigue siendo intimista pero no tan realista.
«Ahora estoy mezclando realismo con expresionismo y utilizando otros elementos dentro de la obra, que se salvan un poco del realismo fotográfico, como ramas, plantas, e incluso elementos naturales»
A la artista le interesa la imagen que se da de la mujer en su obra, porque lo que realmente le interesa son las expresiones, las emociones, la psicología y el retrato psicológico. Eso también puede ser aplicado a los hombres, pero le interesa más en la mujer porque cree que se utiliza siempre una figura en la que cree «que no se ve una naturalidad o intimidad real, mientras que en el hombre está menos encorsetado»
A partir del análisis de la obra del pintor italiano Michelangelo Merisi, llamado Caravaggio, el profesor Fernando Fraga López, presenta un estudio sobre la evolución del conocimiento con respecto a la captación de la imagen y sus usos. El autor parte de la idea de que la obra de Caravaggio era, sin duda, pre-fotográfica. Así, en esta charla se presentará, a través de una mirada al pasado, aprovechando las modernas herramientas digitales, un análisis de cómo se desarrollaron determinados aspectos de la captación de la imagen.
Michelangelo Merisi da Caravaggio (Milán, 29 de septiembre de 1571-18 de julio de 1610), es uno de los exponentes más destacados de la escuela naturalista que surgió en Italia como oposición a la corriente manierista triunfante durante el siglo XVI. Revolucionó el arte de su época, y se le supone uno de los primeros artistas del estilo barroco. Influyó en el desarrollo de este estilo, creando toda una corriente de pintores caravaggistas conocidos como «bambochantes».
| Lugar: Centro Asociado de A Coruña |
| Fecha y hora: 4 de mayo de 2018. De 19:00 a 21:00 h. |
| El presente evento es difundido a través de la Plataforma AVIP y recibe el soporte técnico de INTECCA. |
| En el siguiente enlace encontrarás más información. |